Mr Degryse a écrit:
Citation:
(la fameuse scène des verres est aussi et surtout dirigée contre elle, et les lettres compensent en fait les verres)
Faut expliquer là
Les rapports entre Viggo Mortensen et sa femme sont en fait l'impensé du film, comme si l'ambivalence du racisme (dénigrer et déshumaniser ce qui en l'autre par ailleurs nous séduit) était transférée, entre 'Blancs', au niveau conjugal et du genre. En cela le film raisonne avec le mouvement #MeToo (qu'il déplace, par un second mouvement de transfert, dans le passé des années 50), mais, ce qui est intéressant, sur deux plans, l'un volontaire (quand ce mouvement est pris au plan "idéologique") tandis que l'autre est inconscient (et d'ordre culturel).
Au début du film, la famille italienne s'invite quand-même dans la maison du couple pour surveiller la femme, et éviter qu'elle n'ait avec les ouvriers noirs une attitude qui pourrait passer - à tort - pour aguicheuse. Viggo Mortensen est à ce moment-là complètement complice de la famille, qui d'ailleurs l'humilie aussi : sa mollesse et sa placidité sont montrées comme des causes potentielles de déshonneur pour la communauté.
Le fait d'offrir à boire aux ouvriers est justement le geste-limite attendu, qui, mal interprété - et il est culturellement impossible à une famille blanche bornée, et souffrant elle-même d'une forme de racisme liée à l'immigration, de bien l'interpréter - pourrait valoir à la femme les reproches de la famille.
Le fait pour Viggo de jeter les verres est terriblement ambigu : cela dénote un dégoût physique du corps de l'autre, en effet raciste, mais tellement spontané et instinctif qu'il ne se transforme pas en reproche contre sa femme (qu'il n'engueule pas, pas plus qu'il ne prend ses cousins à témoin, ce qui déclecherait vraisemblablement un tabassage), le racisme de Viggo est réel, mais en quelque sorte lui-même séparé de celui de sa propre communauté, et silencieux et culturel là où le premier est énoncé et plus revendiqué, ou du moins fonctionne comme un ordre collectif conscient.
Ce silence, et cette discrétion dans la bêtise, expliquent la douceur du comportement de sa femme à son égard - ils ressemblent à l'innocence d'une part, et d'autre part, lui laissent de l'espace pour respirer. Elle est caractérisée comme étant beaucoup plus fine et intelligente que son mari, mais jouant la comédie de la bonne ménagère - en d'autre terme, elle pourrait sinon partir, du moins prendre le risque du conflit. Le film a dès lors l'intelligence de ne pas transformer une ménagère des années 50 en militante féministe intersectionnelle, mais en même temps, elle n'est typée que par ces valeurs féministes contemporaines : le silence au sein de la fiction est l'anticipation de ce qui est aujourd'hui idéologique (il est finalement l'expression d'une forme subjective de justice ou de foi).
Cette ambiguïté se retrouve dans les lettres que Shirley lui écrit en usurpant le mari, ce qu'elle avoue savoir : elles sont tellement stéréotypées qu'elles en deviennent
in fine singulières et sincères, et rétablissent un rapport de séduction entre le mari et la femme, qui n'était pas demandé, mais correspondait néanmoins à un besoin. C'est aussi le résumé de la stratégie de Shirley : exagérer le cliché pour l'annuler. C'est à dire aussi : le faire compendre et le donner à lire dans son entièreté. Politiser la question du racisme, c'est cesser d'en faire une question culturelle, en créant une situation où l'ambivalence de l'expression correspond exactement à celle de la situation vécue. La lettre de l'aliénation est politique quand son esprit est culturel, le film vit de cette stricte séparation que rien ne vient brouiller.
Il existe malgré tout une évolution du personnage de Viggo Mortensen, qui quitte à la fin avec Shirley le restaurant de la salle de concert, et manque de frapper l'impresario, mais cette lucidité et cette colère sont immédiatement masquées et rattrapées par l'exhibition du décalage culturel entre Amérique du Nord et du Sud, qui a le même sens pour les deux personnages. Du coup cela donne immédiatement une
contre-scène terriblement convenue dans un
deuxième restaurant, qui annule et en même temps répète la première, et exhibe comme une forme de revendication une image e la musique noire qui, dans le première restaurant, était vécue comme le scandale et la honte. Le même mécanisme de répétition-compensation du racisme, par une norme culturelle qui rend caduque à la fois le commentaire et le geste politique, se produit d'ailleurs peu après avec le flic qui répare le pneu crevé de la voiture dans la neige, quand on attend bien-sûr un remake à la
Mississippi Burning de la première arrestation, indiquant qu'ils ont franchi dans l'autre sens la frontière du Sud.
Dans le bref moment où cette colère n'est pas encore annulée, où le refus du racisme est montré comme un affect qui doit, d'un certain côté, ressembler à la violence du racisme lui-même pour exploser, le film est assez beau. Malheureusement il en dit trop et dépasser cette colère (au sein de laquelle on aimerait peut-être rester un peu plus), qui n'est dépassée que par de l'image d'Epinal.
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