Un dernier plan lourd de sens. A la fois concernant l’histoire du film elle-même, ce cycle interminable de violence, telle une conclusion on ne peut plus pertinente, mais également la filmographie même de son auteur pour qui la dernière séquence servait jusqu’alors de note d’espoir finale, même pour ses films les plus sombres. Ce n’est plus le cas ici. Au contraire.

" Ceci n’est pas une fantaisie ". Du moins, ce n’est pas " juste " un film d’action en tout cas. Et l’enjeu dramatique au cœur du film n’est pas lié à un quelconque méchant (au plan foireux) mais, comme le signalait très justement Singer avant même le tournage, à un obstacle contre lequel même Superman ne peur rien : le passage du temps et ce qui s’est passé en son absence. Il revient et constate que la seule chose qui le liait à ce monde étranger a fait sa vie sans lui. Il redevient plus seul que jamais, le poids du monde sur ses épaules. Mais revient à la vie lorsqu’il se découvre un lien encore plus intime à cette Terre en la personne d’un fils. J’aurai pu prendre l’un des multiples plans où Superman est dans l’espace, prend la pose du Christ, d’Atlas, etc…probablement plus " marquants ", mais celui-là est plus symbolique de ce qu’il y a au cœur du film.

Un dernier plan ici aussi, qui vient mettre en évidence le fond de toute l’entreprise qui a précédé, à savoir conter la naissance d’un héros connu de tous en un chapitre séminal qui peut alors oser le changement, tout en restant familier. Un plan iconique, interdit presque tant il est over-the-top (Craig regarde presque la caméra), une réplique culte et un thème enfin abouti. Fini les fins en " Oh James… ". The name’s Bond…James Bond.

Un des tout premiers plans, pour changer, extrait d’une longue séquence d’exposition, tout simplement exemplaire, qui voit le personnage de Nicholson, autour duquel gravitent les autres protagonistes et intrigues du film, évoluant dans l’ombre, tel le marionnettiste qu’il est. De profil, il avance, et le plan a beau être entrecoupé par d’autres, les années passent, la progression de Nicholson ne s’arrête jamais. Le film n’existe que par son personnage et une fois qu’il disparaît, il emmène tout le monde avec lui.

Déjà dans les deux précédents films de Mendes, la pluie accompagnait le drame. La mort de Lester dans American Beauty. La mort de Paul Newman dans Road to Perdition. Ici, la pluie est noire, de pétrole, et vient entacher le monde tout blanc des jeunes troufions en quête de destinée, les condamnant à affronter l’enfer vide de leurs propres vies. Un basculement à mi-film qui vient transformer le foireux rêve des soldats en cauchemar bien trop réel. Descente aux enfers, dira-t-on pour tomber dans le cliché. Mais c’est vrai.

Sous la scène, à l’insu de son public qui applaudit son nom, l’artiste tire sa révérence. Et c’est là tout le propos du film, évoquant tour à tour sacrifice au nom de l’art et soif de succès, toute la frustration qu’il y a à subir dans la création et la performance artistique, dans une très jolie parabole sur le cinéma par le biais de la magie. " It was the look on their faces " dit le personnage de Jackman avant de mourir. Pour son art.

Pour un film situé entre deux mondes, évoquant sans cesse la notion de transition, entre imagination et réel, entre l’enfance et l’âge adulte, entre deux époques historiques, il s’imposait d’en prendre sa plus belle illustration. Une image si sublime qu’elle s’est même imposée en affiche. Il s’agit bien sûr du plan qui voit la jeune Ofelia passer de la lumière aux ténèbres de sa propre chimère par le biais d’une matrice (" Look, look, Little Goyer. Vaginas. Everywhere ! ") qui accouchera d’une promesse d’un avenir meilleur.

Le plan le plus marquant de ce film, c’est évidemment pour moi le plan-séquence de la voiture. A l’instar de celui de La Guerre des Mondes, il symbolise cette même idée de continuité à laquelle il ne faut entraver. Peu avant, le film s’est transformé en road movie, suivant une fuite vers le futur et POUR le futur. Pour qu’il y ait une chance. Déjà le film avait acquis une véracité sans pareille de par son approche formelle, la plus réaliste possible pour un film d’anticipation, et ce plan-séquence (comme tant d’autres dans le film) est également le plus beau représentant de cette direction artistique.

Warning banalité : le cinéma de Shyamalan a toujours su marier fantastique et quotidien. Et outre ses scénars plus ou moins malins, ça passe avant tout par une mise en scène sobre. Ou plutôt, épurée. Pure même. Ce plan, c’est ça. Toute la poésie du film, de son histoire, de son conte, résumée en un plan sous-marin qui préfère voire d’un œil trouble le climax du film plutôt que de la sublimer. Parce que parfois c’est plus fort que le spectacle. Et c’est tant mieux.

Un plan pour parler d’une séquence entière en réalité. Je parle évidemment du crescendo vers l’arrivée des colons, de l'ouverture avec la voix off, en passant par le générique pour culminer avec cette séquence muette où " L’Or du Rhin " monte, monte, s'amplifie, augmente en intensité jusqu'à son paroxysme alors que les indiens découvrent les bateaux qui arrivent... Le cœur qui enfle, prêt à éclater...

Une quête enfin aboutie, un destin enfin accompli, la métamorphose et l’accession à un état ultérieur…lui précède un silence et lorsqu’il éclate, il résonne dans tout le corps. Alors c’est du trip pur, cosmique, méga premier degré, outrancier mais c’est jusqu’au-boutiste dans son délire cosmique et à ce moment-là c’est juste une fois de plus magique. Onirique.

Le film est assez simple voire creux. Il n’a pas grand chose à dire. Donc trouver une image " représentative ", à moins de prendre Angel en vol et dire " il symbolise la liberté à laquelle ont droit les mutants ", c’est pas possible. Je préfère prendre l’image la plus marquante, la plus jouissive, dans ce film qui ne parle qu’à moi (ou presque) et c’est celle de Wolverine qui, bien ou mal traité, sera toujours LA figure tragique des X-Men même quand il fait face à une autre. Et dans cette scène, tout, de la musique (Powell ressort le thème du Dark Phoenix en grandes pompes) au SFX (Wolverine qui s’en prend plein la gueule et se régénère immédiatement), culmine en une apogée de jubilation geek, un frisson tant est qu’on soit un peu impliqué dans l’histoire et ses enjeux.

Là aussi, une image tellement forte qu’elle fut également l’affiche du film. Une main, laissée à l’abandon, et tout en découle. Elle trouble le courant de la vie du héros et laisse derrière elle une traînée d’indices qu’il devra alors remonter pour résoudre le mystère qu’elle symbolise.

Un plan simple (Sam Raimi haha…hem). Un simple plan, à l’épaule, durant la première moitié (la seule qui compte) du film. Celle où, " soudain, c’est le drame " (façon Michel Creton). Une simple image. Une simple icône : ces deux tours. Et la fumée. L’image, on la connaît tous aujourd’hui. On se rappelle tous où on était quand on a appris la nouvelle. Il n’y a aucune image qui ait autant de force pour moi que celle-là. Je parle pas du film mais de ce qui cristallise ce jour. Et pour le coup, la force du film (du moins, de cette première heure), c’est de réussir à canaliser toute cette force dans la mise en scène. D’évoquer l’événement en réveillant la tragédie chez le spectateur. Chez certains, c’est plus Vol 93. Moi c’est la première heure de World Trade Center.

La capture d’écran ne fait pas " honneur " à la teneur du plan. Premier plan du film, il annonce d’entrée la couleur. Et l’approche formelle d’Abrams. Ca va être sale, ça va être nerveux. Ca transpire, ça bougeote. C’est pas forcément beau à voir ou agréable à regarder. Alors ça peut énerver les plus réticents mais pour peu qu’on accroche à ce style, c’est diablement réussi. Et ce premier plan, caméra à l’épaule, en gros plan, longue focale, est une des meilleures entrée en matière qui soient.

J’aime ce film principalement pour son visuel et outre la mise en scène, c’est toute l’imagerie horrifique du film que j’adore. Certains plans sont gravés à jamais dans mon esprit comme le pire fantasme cauchemardesque qu’on puisse imaginer. Chaîne, chair et sang et autres goresques clivebarkereries (et là Scythe-Meister va me sauter dessus parce que je cite n’importe comment son nom). Et l’image la plus marquante reste pour moi celle de ce croque-mitaine impossible qui arrache les fringues puis la peau de sa pauvre victime sur les marches de l’Eglise, avec les sirènes résonnant. Le cauchemar pur.

Le seul film de la liste pour lequel le plan ne m’est pas venu tout de suite à l’esprit. Parce qu’en fait il n’y en a pas. J’ai pourtant vu le film deux fois mais j’ai dû me remater la bande-annonce pour me rafraîchir la mémoire. J’ai choisi ce plan non pas pour ce qu’il est en soi (pas particulièrement " marquant ") mais parce qu’il représente bien ce que j’aime dans le film : son côté blockbuster over-the-top qui prime le spectacle sur le reste.

Là aussi un premier plan, le plus brutal qui soit. A peine le logo Universal déroulé, l’image explose à l’écran, sans fondu, brut de décoffrage. Pareil pour le son, enfin la chanson, prise en plein cours. Une fois de plus, on nous annonce d’emblée de quoi il va retourner, quelle va être l’intention première du réalisateur. Et le reste du film, froid, dur, violent, sans concessions (envers les producteurs ou les spectateurs, qui devront faire avec ce film atypique) vient entériner l’idée amorcée par ce premier plan. Parce qu’un premier plan ne doit pas être anodin.

Adaptation d’une bande-dessinée qui brille surtout pour quelques moments forts et en voici un, caractérisé par ce plan, cette case, cette icône, celle d’une naissance, d’une révélation, d’une accession à un état supérieur. Par deux fois on le verra dans le film, propageant la même notion d’épanouissement, les bras ouverts, embrassant son destin, à travers les flammes ou sous la pluie. Le film n’est jamais aussi bon que quand il ose ce genre d’images renvoyant à l’art d’origine.

Bon bah je crois que plus ou moins pour tout le monde, c’est là LE plan marquant du film, LE truc dégueu qu’attendaient les assoiffés de gore et c’est clair qu’on tient là une image représentative de l’entreprise. Le film aurait mérité de pousser plus loin ce goût pour le répulsif mais quand il en arrive à ce moment-là, c’est d’autant plus jouissif. Epidermique. C’est le moment où tout le monde dans la salle se tortille sur son siège et fais " Hsssssssssss ! " en aspirant de l’air à travers ses dents serrées. Et c’est là tout Eli Roth. Vivement le 2 !